immanence / NEW immanence

Il est amusant de prendre le train pour les petites villes

immanet — 2013-05-23T09:16:07Z

Vernissage le 30 mai à partir de 18h et le 1er juin à partir de 14h.

Dans le cadre de l'échange universitaire entre l'UFR d'Arts Plastiques de l'université Paris 1 Panthéon Sorbonne et la New York University, Immanence expose les travaux réalisés à Paris cette année par quatre diplômés du MFA de NYU (Master in Fine ART) qui prennent part à ce post-diplôme. Après les expositions Les jours heureux à la galerie 80WSE, et Commencement à Whitebox à New York, cette exposition permet aux jeunes artistes américains de présenter pour la première fois leurs récentes réalisations. Réunis par le simple fait d'être diplômés, ils ont conçu avec Antoine Lefebvre, une exposition tout en légèreté où des dessins, de grands tirages argentiques et un cube transparent flottant seront visibles. À moins que cela soit dans l'invisible que se joue l'exposition. L'espace d'exposition sera ici le sujet des liens, des relations et des tensions entre les œuvres. Cette exposition est conçue pour montrer les différences qui unissent ces quatre artistes et propose au spectateur de vivre l'expérience d'une suspension temporelle. À cette occasion, sera publié le huitième numéro du journal Le carré, édité par les étudiants de l'UFR d'Arts Plastiques de Paris 1. Pour ce numéro, chacun des participants à l'exposition a conçu un ephemera, le regroupement de ces œuvres imprimées fera office de catalogue.

Katherine Bauer travaille principalement avec des films 16mm et son potentialité matérielle en matière de sculpture, la photographie et d'installation. Son travail implique la mythologies, les folklores et des récits. Le celluloïd du film donne corps à ces récits et incarne les thèmes de la décomposition, de l'érotisme et et de l'horreur. Katherine a obtenu un Bachelor in Arts à Bard College en cinéma et Arts numériques. Elle vient de terminer un Master in Fine Arts à NYU où elle enseigne également le cinéma et la photographie argentique . Elle est membre du conseil d'administration de la Filmmakers Cooperative et membre du collectif Optipus . Avec Optipus elle a montré son travail à The Kitchen, Participant Inc. et Millennium Film Workshop à New York. Son travail a été montré à travers les Etats-Unis et internationalement dans une variété de lieux et galeries. Ses films sont disponibles à la location à la Filmmakers Cooperative à New York City. http://www.KatherineAnneBauer.com

La pratique de Joseph Imhauser englobe une grande variété de médias et prend les interactions sociales et les expériences partagées comme point de départ. Intime, gestuelle et poétique, chaque œuvre manifeste un engagement unique avec à la fois la forme et le spectateur. Les œuvres de Imhauser ont été exposées et projeté à Atlanta, Berlin, Los Angeles, New Orleans, New York, Orlando, Paris, Salzbourg, et São Paulo. En 2009, il co-fonde Lyeberry, une plate-forme mobile en cours pour le partage d'informations et d'expériences. http://www.josephimhauser.com/

Taro Masushio est un artiste basé à New York, il travaille à Paris grâce au soutien de la Fondation Carla Bruni-Sarkozy depuis 2012. Il a reçu son Bachelor in Arts de l'Université de Californie, Berkeley et son Master in Fine Arts de la New York University. Son travail a été présenté au Salon Bogard, NY, Pacific Film Archive, Berkeley, et De Young Museum de San Francisco. http://taromasushio.com/

Alice Wang (né en 1983 en Chine) est une artiste et cinéaste basé à New York. Elle a obtenu son Bachelor in Science de l'Université de Toronto, un Bachelor in Fine Arts de la California Institute of the Arts, et un Master in Fine Arts de la New York University . Depuis l'été 2012, Alice vit et travaille à Paris grâce au soutien de la Fondation Carla Bruni-Sarkozy. Elle a exposé son travail à l'The Armory Center for the Arts de Pasadena, à la Deutsches Haus à New York, et bientôt au Torstraße 111 à Berlin, à l'occasion de la résidence Villa Aurora Fellowship. Sa vidéo-essai The fallacy of misplaced concreteness (Le sophisme du concret mal placé) est distribué par Vtape. http://llllllllllllllllllllll.com/

Légende du visuel : Joseph Imhauser, 1/2 living room, cousin #1, 2013, technique mixte, 20 x 30 cm.

Un phénomène de Bibliothèque

immanet — 2013-03-19T12:17:42Z

vernissage le 18 avril 2013 à partir de 18h

Un phénomène de Bibliothèque Vernissage le jeudi 18 avril à partir de 18h. Exposition du 18 au 24 avril 2013.

Créée en 2009 par Antoine Lefebvre, La Bibliothèque Fantastique est un projet éditorial pensé comme une oeuvre d'art. Quatre ans après son lancement, cette exposition est l'occasion de découvrir des maquettes originales, des oeuvres dérivées, et la centaine de livres produits par :

Nancy Barton, Jérémie Bennequin, Yves Chaudouët, Michael Cohen, Eric Doeringer, Sirine Fattouh, Alexandre Faugeras, Nicolas Frespech, Jazon Frings, Laetitia Giorgino, Ciprian Homorodean, Charlotte Hubert, Internationale Situationniste, Farah Khelil, Stéphane Lecomte, Antoine Lefebvre, Auguste Legrand, Emeric Lhuisset, Philippe Mairesse, Stéphane Mallarmé, Juan Mendizabal, Pierre Monjaret, Antoine Moreau, Côme Mosta-Heirt, Davida Newman, Filip Noterdaeme, Laurent Okroglic, Gérald Panighi, Michalis Pichler, Olaf Probst, Eric Rondepierre, Benjamin Sabatier, Alexandre Saint-Jevin, Cannelle Tanc, Yann Toma, Frédéric Vincent, Alice Wang, Lawrence Weiner, Oliver Westerbarkey, Samuel Y

Bonne année 2013

immanet — 2013-01-18T11:12:53Z

Nous vous souhaitons une belle et heureuse année 2013

Intervalle ouvré

immanet — 2013-01-18T10:47:32Z

vernissage le 21 mars 2013 à partir de 18h.

Exposition du 22 Mars au 13 Avril 2013

Intervalle ouvré par Estelle Nabeyrat

Pour cette nouvelle exposition à Immanence, l'artiste et ici commissaire d'exposition Romain Cattenoz s'est intéressé à l'exposition et à ce qui en détermine les contours. Les pièces qui y sont présentées déplacent volontairement une identité d'oeuvre trop présomptueuse pour en questionner les habitudes statutaires. Qu'est-ce qui fait œuvre, qu'est-ce qui fait exposition ? Tout dans l'exposition est une mise en question même de la nature artistique par son mode de présentation. Délibérément donc, R.Cattenoz a créé un déplacement des référents en s'appuyant sur les principes mêmes de l'exposition que le white cube à imposer avant même que Doherty ne lui consacre un ouvrage. Ici, l'espace de la galerie est traversé d'une structure, ou devrions-nous dire d'un squelette. Les lignes fantomatiques de ce cube de cimaise sont laissées appararentes pour mieux se jouer du vide et des absences que le mur viendrait artificiellement combler de ses usages. Montage ou démontage, l'espace d'accrochage que propose R.Cattenoz détourne les surfaces et renverse les temporalités ; faut-il à l'oeuvre l'emballage autoritaire de l'espace d'accrochage et de sa durée pour lui permettre d'exister ? La question reste ouverte. Ici un temps autant qu'un espace, le montage peut-être le lieu des balbutiements et des essais, des tentatives et des apparitions, c'est ce que Romain nomme à juste titre un intervalle ouvré, il donne la cadence et le ton à cette invisible préparation que les enduits couvriront ensuite soigneusement des épaisseurs d'usage. C'est tout ce processus que Romain Cattenoz veut très justement laissé transparaître dans cette exposition dont il a l'initiative. Et au-delà encore des réflexions d'ordre formelles et structurelles, il y a sans doute l'affirmation d'une posture que l'on pourrait croire inspirée des lectures de Bruno Latour. Car R. Cattenoz est aussi monteur. Comme beaucoup d'artistes, il met en scène les expositions qui ne sont pas les siennes, comme beaucoup, il fabrique et reproduit les pièces qui ne sont pas les siennes. Il connait l'aspect décisif de ces moments et l'influence de chacun des acteurs qui traversent le montage, car, si la hiérarchie des principaux protagonistes s'exerce ici comme ailleurs, le monteur, par ses gestes et son savoir, applique la touche finale au processus de révélation. A travers le choix des artistes conviés à partager cette expérience, il y un fil directeur : un rappel à l'exercice de montage devenu prétexte, parfois, mais surtout le lieu d'inspiration à produire des pièces, souvent à cheval sur une identité artistique quelque peu instable. Ainsi Pierre Tectin, répond à l'espace d'exposition par une série d'images et d'objets disposés dans la structure ; leurs factures ou leurs morphologies ne sont pas sans évoquer des principes de façonnage ou des techniques de production inspirées de la reprise, la réappropriation ou, plus littéralement, de la de récupération. Avec son projet de la galerie miniaturisée, Michel Delacroix imagine depuis longtemps des espaces d'expositions dans lesquels il invite d'autres artistes. Mais à l'occasion de cette invitation, une série de photos de personnes dont les regards sont fixés sur leurs potentiels points d'accroche sera présentée au sol. Suspension du temps d'accrochage ainsi suggérée. Kirill Ukolov, lui, a pensé une œuvre in situ : les espaces et interstices d'un mur, habituellement délaissés, seront entourés de scotch de peinture, peint à son tour pour mieux détourner les coutumes du montage, faire œuvre de ce qui est relégué. Enfin, Bruno Persat installe, entre autres, des niveaux à laser, flottant instablement dans l'eau, il détourne ainsi les outils du montage pour faire œuvre. Dans cet espace d'exposition incongru et pas complètement révélé dans ces quelques lignes qui l'accompagnent, les oeuvres participent d'une narration suspendue à leur devenir prétendu incertain. De cette volontaire mise en doute, encore renforcée par un système d'accrochage déplacé dans ses habitudes, Romain Cattenoz, invite à une reformulation conceptuelle de l'objet d'art. Et dans la lignée d'un travail personnel qui n'est pas sans ignorer les vocations thérapeutiques si chères à Lygia Clark, le curateur n'a pas oublié la dimension sensorielle de l'espace qui de son vernis final comblera les revers d'un intellectualisme que j'ai ici appliqué trop largement en surface.

Intervalle ouvré par Romain Cattenoz

Intervalle : Espace, distance ou temps séparant deux objets, deux faits, deux sons. Les périodes de montage et démontage d'une exposition sont un moment important dans le cycle d'une exposition. Ils constituent des intervalles de temps et d'espace dans lesquels artistes, commissaires, monteurs, éclairagistes s'activent à construire une exposition dans son ensemble. Cette période est invisible au public. Durant cet intervalle, il se passe quelque chose qui ressemble à un fourmillement, une énergie qui est dirigée dans une direction précise. Où l'ambiance est très éloignée de celle que l'on perçoit lors d'une visite d'une exposition dans une institution (espaces dégagés, neutres, où le silence règne). C'est de cet univers qu'il sera question dans « Intervalle ouvré ». Les montages d'exposition, la mise en place de la scénographie, le matériel et les éléments entourant le montage (boites, installations en cours, va et viens) composent et participent à la construction d'une exposition et appartiennent au processus en cours (à l'opposé de la forme finie, du produit figé qu'est une exposition visible par le public).Il m'est apparu intéressant de pouvoir signifier cet intervalle en tant qu'espace contenant aussi la création artistique. Pour cela il s'agirait de reconstruire, ou du moins symboliser cet entre deux à l'intérieur de la Galerie Immanence. Tel un avant/après, il s'agirait de penser cette exposition comme un vecteur (temps) qui traverserait l'espace d'exposition. L'espace serait scindé en 3 et le public passerait d'une fin d'exposition (démontage) à un espace en chantier, l'intervalle, pour arriver sur une nouvelle exposition (montage). L'intervalle central, c'est-à-dire l'espace au travail, sera construit à partir d'éléments architecturaux basiques. Il ne s'agit pas de monter des cloisons et saturer l'espace, mais de signifier ces 3 espaces et de permettre des passages, physiquement ou par le regard, entre les différents temps d'une exposition (avant, pendant, après). De part mes différentes expériences professionnelles, j'ai eu l'opportunité d'avoir accès à cet entre-deux, à ces espaces intermédiaires et d'y participer activement en tant que monteur d'exposition. Ces expériences sont devenues un matériau prenant place dans ma démarche artistique, à différents stades d'évolution dans leur processus, afin de questionner le public sur la manière de voir et regarder une oeuvre. Où d'autres formes existent que celles qui consistent à accrocher les oeuvres sur un mur blanc. Voir des oeuvres dans un autre contexte permet d'établir d'autres liens avec celles-ci et de créer un nouveau dialogue avec l'espace. Entre 2 expositions. Les images de constructions de structure de maison en bois (par ex. aux Etats-Unis) sont une source d'idées pour la création de cet espace. Ces ensembles de bois simplement assemblés permettent de matérialiser un volume, tout en permettant au regard de se promener dans la galerie. Le visiteur peut également se faufiler. Il pourrait dès lors traverser 3 espaces : 2 « expositions » et une zone tampon au travail. Cette exposition regroupera des propositions de Romain Cattenoz, Pierre Tectin, Michel Delacroix, kirill Ukolov et Bruno Persat. Leurs propositions consistent à réaliser un espace d'exposition dans l'espace d'exposition.

We are in a net of roses

immanet — 2012-11-12T10:02:47Z

Vernissage hors les murs le 20 novembre 2012 à Vienne, Autriche. Dans le cadre de "Vienna Art Week 2012" du 19 au 25 novembre 2012. En partenariat avec l'Institut Français d'Autriche. http://viennaartweek.at/events/44/e...'we-are-in-a-net-of-roses'

Ce projet est né d'un échange culturel entre deux structures, Immanence à Paris et Flat 1 à Vienne.

We are in a net of roses (Wir sind im Rosennetz)

Le titre de l'exposition est en référence à une exposition du curateur Harald Szeemann.

Mais le sujet ne fait pas seulement écho à l'exposition organisée par Szeemann, le sujet de cette exposition est de ne pas tomber dans le cliché d'artistes français et du Paris de 1900, comme le disais Szeemann lui-même « Une exposition pour ne pas tomber dans les vieux clichés du Vienne d'autour 1900 ou des actionnistes Viennois mais plutôt de créer une synthèse entre le connu et l'inconnu, c'est la capacité de surprise. » Il s'agit de montrer que les artistes français ne sont pas seulement des êtres raffinés, épris de modes, qu'il existe en France une scène artistique décomplexée prête à s'affirmer. Les artistes sont invités à travailler sur le thème de la surprise. Ils tisseront ensemble une narration en images et en formes selon leur pratique. Cela donnera lieu à différentes formes de création : photographie, vidéo, dessin, peinture, écriture, son, sculpture et performance. Cette exposition permettra aux artistes artistes de déclancher un processus de production continue d'oeuvres et de pensées. Comme le souhaitait Szeemann pour son exposition, nous avons l'ambition de créer la surprise, plus pour les Autrichiens et les Viennois. Sous le titre de l'exposition se cache un hommage à la ville et à Szeemann. Cette exposition examinera le processus de création, plus particulièrement la genèse des œuvres et isolera du matériel visuel autour de cette notion. Qu'est-ce qu'un échange culturel entre deux structures non-profit dans deux pays différents ? Quelle est la particularité de ce genre de projet ? De ce genre de lieux ? Cette exposition a la capacité de surprise, un hommage à ce genre d'événement, un hommage aux deux villes.

http://viennaartweek.at/events/44/e...'we-are-in-a-net-of-roses'

flat1 p : Schikanedergasse 2, Tür 1, 1040 Wien i : www.flat1.at e : flat1@gmx.at

"Primavera"

immanet — 2012-10-25T07:57:10Z

Du 16 novembre au 1 décembre 2012

ouvert du mercredi au samedi de 11h à 18h

Commissaire de l'exposition : Valentine Meyer

Les artistes de la Dena Foundation présentent leurs projets effectués pendant la résidence 2012-2013. Avec le soutien du National Arts Council of Singapour.

Primavera évoque bien sûr le printemps, et aussi les (re)-commencements. Qu'est-ce qu'être un artiste qui recommence ailleurs ? Comment habiter un espace où je ne fais que passer sans tomber dans la standardisation ? Comment intégrer le lieu d'accueil et créer mon propre chemin à l'intérieur d'une forêt de signes étrangers ? Comment manipuler l'iconographie pour sortir de mon propre folklore ? Comment Paris me met en mouvement ? Comment procéder à l'élagage, au transcodage, à la traduction ?

“Exposition dans le cadre de la programmation culturelle hors-les-murs à l'occasion de l'exposition Retour à l'intime, la collection Giuliana et Tommaso Setari à la Maison Rouge (réseau Tram) - 20/10/2012- 13/01/2013”

The artists of the Dena Foundation 2012-2013 Residency Program present their ongoing projects. With the support of the National Arts Council of Singapour

Artists : Santo Alessandro Badolato (Italie), Debbie Ding (Singapour), Matteo Fato (Italie), Elio Germani (Italie), Hafiz B Osman (Singapour)

Curator : Valentine Meyer

Primavera evokes certainly spring, but also new beginnings. What does it mean to be an artist that restarts elsewhere ? How to inhabit a space where I'm just passing through without falling into standardization ? How to integrate the venue and create my own path in a forest of foreign signs ? How to manipulate the iconography in order to exit my own folklore ? How does Paris make me move ? How to proceed to pruning, transcoding, and translation ?

Exhibition part of the cultural program hors-les-murs on the occasion of the exhibition Retour à l'intime, la collection Giuliana et Tommaso Setari at la maison rouge (Tram network) - 20/10/2012- 13/01/2013.

"Entry-Exit"

immanet — 2012-10-24T15:08:13Z

Vernissage le 1er novembre 2012 à partir de 18h à Immanence, Paris

Exposition du 1 novembre au 10 novembre 2012 à Paris.

Les expositions reçoivent les soutiens de l'Institut Français d'Autriche et du Forum Culturel autrichien.

Ce projet est né d'un échange culturel entre deux structures, Immanence à Paris et Flat 1 à Vienne.

Flat1 à Paris

Avec : Maria Hanl, Ewa Kaja, Ulrike Königshofer, Johannes Kubin, Marianne Lang, Karin Maria Pfeifer, Sula Zimmerberger

The thematic bridges and problems The permanent crisis reported in recent months concerning the Euro, financial debts, energy and climate change, raises a central question : Are we really the citizens who may/must participate in the great global upheaval of our economic system or its collapse ? There is some evidence. Documentaries- such as “Plastic Planet” or “The Light Bulb Conspiracy” try to mirror the current ecological conditions and alert us that something has come apart at the seams. As for the economic tangent : If, as Konrad Liessmann formulated, labor and consumption are the two central aspects of our existence, this practice seems to have an inevitable expiration date. How do artists broach the issue of this tension ? For a long time all economic relations (not just electricity - rent - gas) have been negotiated in the artistic practice, which commutes between post-socialism and capitalism. Ten years after Josef Beuys statement “Everybody is an artist”, Martin Kippenberger replied laconically “ Every artist is a human being”. Consequently there are several approaches for curatorial guidance of the exhibition program at flat1 in 2012 : Thesis : Do we define ourselves through work ? As defined by Liessmann, work is regarded as a presupposition for use and consumption and therefore a precondition for employment. The philosopher goes further to say that labor has become a term for life activity per se. Everything (up to "work on ourselves") is occupied by this term, but without, we fear a loss of appreciation of our actions. Not the being of man is, but its work. Thesis : Do we define ourselves through money ? Subsequently, it is possible to restrict the question whether we even communicate through money. For example, the feedback for a relevant performance is given by money, in the world of work, which makes housework, besides gainful employment, second-class work. Furthermore, selective consumption allowance is counted as affirmative feedback of a particular industrial manufacturing practice - or, as its rejection. Thesis : Do we define ourselves through consumption ? The same is true with consumption, the second of two' Liessmann's terms. Modern man's self-esteem derives from consumption. Consumption is always accumulating things, and our world is full of things : "Everything is there. Nothing likewise has spread out and is available for the people, awaiting its use and its disposal ". As an artist you add some more things nobody has demanded to this world of things. Thesis : Do things of art define themselves through their underlying theory ? Here the question “What makes these things to art objects ?” arises. According to Liessman, if it is true that this emphatically proposed theory is able change arbitrariness and irrelevance into aesthetic sensations, the question “what forces us to do things and even the want to possess them” is still not clarified. Selected art works reflect on the relationship between humans consumer,- affluent,- disposal culture. Thesis : Do artists define themselves according to market- economical laws ? Artistic practice in this sense has also become work and properly complies with legal requirements of the laws of market economy. At "art events" , the arts- and event management has come to the fore instead of the artists themselves. The result : artificial manipulation of artistic content and the juggling of numbers of visitors. The requirement is “self- display” as an artistic brand, and sell, the louder the better. Thesis : Does female art defines itself as a product range of artists ? In the current economic situation, this mechanism also deteriorates the gender issue. The female artist herself mutates to the object and manages the breakthrough only by selling her own through self promotion, bordering prostitution. Thereby the emancipatory claim of entire generations of artists would get lost at one go.

Text : maria hanl / karin maria pfeifer www.flat1.at

Esthétique passionnelle

immanet — 2012-08-28T11:22:34Z

Rencontre avec Nicolas Bourriaud , Cannelle Tanc et Frédéric Vincent à l'occasion de la sortie du livre "Esthétique passionnelle, Immanence… une vie d'exposition"

L'espace d'art Immanence a ouvert le 25 janvier 2000 au 21 avenue du Maine 75015 Paris, à l'initiative de Cannelle Tanc et de Frédéric Vincent, diplômés de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Depuis, près d'une centaine d'expositions et d'évènements s'y est succédée. Ce catalogue rétros¬pectif est une trace de notre travail. Conçu non pas par ordre chronologique, mais plutôt à partir d'un choix de trente expositions et projets reflétant l'esprit d'Immanence, sa diversité, ses préoccupations et ses affinités. Esthétique Passionnelle est un titre qui fait évidemment écho à L'Esthétique relationnelle de Nicolas Bourriaud. Le sous-titre, quant à lui, Immanence : une vie… d'expositions renvoie au dernier texte publié par Deleuze de son vivant. L'emploi d'un terme philosophique pour nommer un espace d'exposition est un choix affirmé, réfléchi et assumé, une volonté de se démarquer, plaçant la programmation et les choix dans la lignée d'une pensée ouverte. De Courbet et son Pavillon du Réalisme en 1855, jusqu'au foisonnement d'artist-run space à Berlin, Londres ou New York. Immanence s'inscrit dans l'histoire de ces lieux indépendant qui permettent à nombres d'artistes d'émerger, de curateurs, de critiques de proposer des projets d'exposition ou de présentation. A l'heure où la forme Art contemporain s' achève peut être, laissant la place à une nouvelle forme, l'artiste ne réalise plus une seule oeuvre, mais il pense en terme d'exposition, ce qui nous fait dire que les artistes-curateurs jouent un rôle primordiale dans l'élaboration de nouvelles formes de penser. F.V C.T

Frédéric Vincent est artiste, commissaire d'exposition. Co-fondateur avec Cannelle Tanc de l'espace Immanence à Paris. Il sera le commissaire de l'exposition "Wir sind in rosennetz" à l'espace Flat1 à Vienne en partenariat avec l'Institut Français en novembre prochain. Musique, La Borne, Vierzon en 2012. Je hais le mouvement qui déplace les lignes, Médiathèque de Fontenay-aux-roses, France, 2011. En 2010, il a exposé au Cabaret Voltaire (Zürich), Sympathy for the Painting, galerie la B.A.N.K (Paris), Art Brussels, Bruxelles, Belgique, galerie La B.A.N.K ; Art Colours of sound, Parcours Saint Germain, Paris. Artisbook International, Centre Georges Pompidou, Paris, France ; BOOK, LENDROIT Galerie, Rennes, Beaubourg, France ; Musée des rencontres, Galerie Cortex Athletico, Bordeaux, France. La Force de l'art 02 (Paris) 2009.

Cannelle Tanc est artiste, commissaire d'exposition. Co-fondateur avec Frédéric Vincent de l'espace Immanence à Paris. En 2012, a exposée au Coin des Rêves, le 6B, Saint-Denis ; Parce que la carte est plus importante que le territoire, Pôle d'art contemporain, Atelier Oulan Bator, Orléans ; Atlas at last, Grandes Galeries à l'esadhar, campus de Rouen ; A l'ouvrage, CP5, Paris, La carte est plus importante que le territoire, Fondation Moret, Martiny, Suisse ; WunderKammer, Die Bäckerei, l'Iglu/Nordketten, Institut Français, Innsbruck, Autriche. En 2011 notamment Die Zeit der leichten Dinge, Architekturforum, Zürich, Suisse ; Utopies incarnées, Le Cabaret Voltaire, Zürich, Suisse. En 2009 Archipel, La Force de l‘art 02, invité par J.L Froment, Grand Palais, Paris ; Le complexe de Rittberger, Glassbox, cité universitaire, Paris.

Esthétique passionnelIe, Immanence… une vie d'exposition Beaux-arts de Paris les editions ISBN : 9782840563785 2012 Texte de Cannelle Tanc et Frédéric Vincent Bilingue Français/Anglais 17 x 24 cm 180 pages 133 photographies en couleur et noir et blanc 15 € Avec le soutien de la Fondation d'entreprise Ricard et le Conseil Régional.

Informations Pratiques Mercredi 12 septembre à 19h - entrée libre Fondation d'entreprise Ricard 12 rue Boissy d'Anglas 75008 Paris Contact presse : Antonia Scintilla - 01 53 30 88 02 antonia.scintilla@fondation-entreprise-ricard.com

MÉMOIRE VIDE

immanet — 2012-06-04T14:33:29Z

Vernissage le jeudi 7 juin 2012 à partir de 18h

MÉMOIRE VIDE d'Elvire Bonduelle

Les conditions dans lesquelles on voit les œuvres sont lamentables. Les expositions sont très fréquentées, et parfois par des imbéciles. On ne peut que rester debout et regarder, en général avec quelqu'un d'autre. Il n'y a pas d'espace, pas d'intimité, nulle part où s'asseoir ou se coucher, on ne peut ni boire, ni manger, ni penser, ni vivre. Ce n'est qu'une présentation. Ce n'est que de l'information. Écrits 1963-1990, Donald Judd, 1991, Édition Daniel Lelong.

La pratique d'Elvire Bonduelle se concentre sur la quête du bonheur, vaste thème qu'elle explore depuis ses débuts. Sans support à priori, elle navigue le plus souvent entre objet, dessin et vidéo. Elle a réalisé récemment Le meilleur Monde, un numéro spécial du quotidien Le Monde, fait uniquement de bonnes nouvelles récoltées dans le journal qu'elle a soigneusement passé en revue pendant un peu plus de trois mois. « Voilà quelques années que je m'intéresse aux salles d'attentes comme parenthèses spatio-temporelles propices à la contemplation. Patientant chez mon dentiste, confortablement assise en face d'une toile, je la considérais au premier abord comme une « croûte ». L'attente s'éternisant, je contemplais la toile, au début très passivement mais petit à petit un certain dialogue s'instaura, et elle finit par beaucoup me plaire. Le temps et ma disponibilité d'esprit avaient permis cette expérience esthétique inattendue. Une seconde expérience m'amena à vouloir désirer voir les œuvres d'art dans de meilleures conditions. Lors d'un voyage pour visiter l'exposition d'un peintre adoré dont je n'avais jamais vu le travail qu'en reproductions. Arrivée au musée, la foule, le bruit, le manque de recul et d'assises m'empêchèrent de voir les œuvres. Très déçue, je me consolais alors en dévorant le catalogue, confortablement installée dans mon train de retour ». Ainsi est né le projet SALLE D'ATTENTE, l'envie de proposer de meilleures conditions pour voir les œuvres et renouveler ainsi la qualité de nos expériences sensibles et esthétiques. Chez NEW Immanence, dont l'atmosphère est déjà toute indiquée avec ses poignées en laiton, ses rideaux à lames verticales et son paillasson encastré, un ensemble d'œuvres sont mises en relation pour un accrochage « en salle d'attente ». Les peintures de Camila Oliveira Fairclough se jouent des signes et des mots, et, dans l'apparente immédiateté de leur approche, s'offrent à nous en plusieurs temps. Césium, miroir hypnotique de Baptiste Debombourg, reflète une image parcellaire et éclatée de l'espace qui s'en trouve comme « psychédélisé ». L'horloge souriante « 10h10 » de Bertrand Planes défie les esprits trop rationnels et pressés tout comme l'étonnante plante verte de Julien Berthier dont l'apparence prête à confusion. WOOD IS GOOD, retable iconoclaste d'Elvire Bonduelle, brouille les frontières disciplinaires et semble inviter à s'asseoir dessus. Sur la table basse, quelques nouvelles défraichies de cette dernière et la vraie-fausse revue LOG, entièrement consacrée au travail de Sammy Engramer, achèvent de filer la métaphore de la salle d'attente.

Dans un second temps, et un autre espace, MÉMOIRE VIDE : Elvire Bonduelle présente Bibliothèque de ma mémoire vide, structure en bois inspirée de ces meubles sur mesure sortis de leur contexte qui parfois jonchent les rues parmi d'autres encombrants. Des objets spécifiques, esseulés sur le trottoir, pour lesquels l'artiste éprouve une certaine tendresse : conçus pour se loger sous un escalier, derrière une porte, dans tel ou tel autre recoin, ils témoignent en creux d'une réalité domestique pleine de problématiques pratiques. Le standard opposé au sur-mesure, les normes, le conformisme, le moule opposés au fait-main, à l'artisanal et au spécifique sont des sujets récurrents dans le travail d'Elvire Bonduelle qui se situe souvent à la frontière du design et dialogue avec l'architecture. Telle une bibliothèque sur-mesure sortie de son contexte, Bibliothèque de ma mémoire vide s'impose dans l'espace, monumentale et légère. Elle est vide, désespérément vide à en croire l'artiste. Sa structure graphique et linéaire offre au regard plus de vides que de pleins. Une ouverture, dédoublée, substitue à l'habituelle promenade mentale d'une œuvre une réelle déambulation, non seulement autour mais dans l'œuvre. On y entre par la porte, comme dans une maison. C'est à la fois un meuble, une architecture et un paysage, une image. Mais la promenade est bien solitaire, pour qui aime parcourir les bibliothèques des gens afin de s'en faire un portrait. Elvire Bonduelle chercherait-elle à dénoncer la vanité avec laquelle parfois nous affichons nos références comme des trophées ? On se souvient des Fauteuils pour livres de poche, créés en 2005, qui pointaient déjà l'autorité de la culture et le respect quasi sacré qui lui semble dû. A tord certainement ! Au mur sont présentés quelques dessins extraits de la série Les dessins à la règle. C'est le pendant récréatif du travail d'Elvire Bonduelle, fruit d'une pratique spécifique du dessin faisant usage de toutes sortes de règles et lettrines qui guident son trait. Ils témoignent d'un certain laisser-aller des habitudes de travail de l'artiste, et donnent lieu à de joyeuses divagations, tout en dialogue avec ses préoccupations coutumières.

SALLE D-ATTENTE

immanet — 2012-05-08T10:27:45Z

vernissage le 7 juin 2012 à partir de 18 heures

« Voilà quelques années que je m'intéresse aux salles d'attentes comme parenthèses spatio-temporelles propices à la contemplation. Patientant chez mon dentiste, confortablement assise en face d'une toile, je la considérais au premier abord comme une « croûte ». L'attente s'éternisant, je contemplais la toile, au début très passivement mais petit à petit un certain dialogue s'instaura, et elle finit par beaucoup me plaire. Le temps et ma disponibilité d'esprit avaient permis cette expérience esthétique inattendue. Une seconde expérience m'amena à vouloir désirer voir les œuvres d'art dans de meilleures conditions. Lors d'un voyage pour visiter l'exposition d'un peintre adoré dont je n'avais jamais vu le travail qu'en reproductions. Arrivée au musée, la foule, le bruit, le manque de recul et d'assises m'empêchèrent de voir les œuvres. Très déçue, je me consolais alors en dévorant le catalogue, confortablement installée dans mon train de retour ». Ainsi est né le projet SALLE D'ATTENTE, l'envie de proposer de meilleures conditions pour voir les œuvres et renouveler ainsi la qualité de nos expériences sensibles et esthétiques. Chez NEW Immanence, dont l'atmosphère est déjà toute indiquée avec ses poignées en laiton, ses rideaux à lames verticales et son paillasson encastré, un ensemble d'œuvres sont mises en relation pour un accrochage « en salle d'attente ». Les peintures de Camila Oliveira Fairclough se jouent des signes et des mots, et, dans l'apparente immédiateté de leur approche, s'offrent à nous en plusieurs temps. Césium, miroir hypnotique de Baptiste Debombourg, reflète une image parcellaire et éclatée de l'espace qui s'en trouve comme « psychédélisé ». L'horloge souriante « 10h10 » de Bertrand Planes défie les esprits trop rationnels et pressés tout comme l'étonnante plante verte de Julien Berthier dont l'apparence prête à confusion. WOOD IS GOOD, retable iconoclaste d'Elvire Bonduelle, brouille les frontières disciplinaires et semble inviter à s'asseoir dessus. Sur la table basse, quelques nouvelles défraichies de cette dernière et la vraie-fausse revue LOG, entièrement consacrée au travail de Sammy Engramer, achèvent de filer la métaphore de la salle d'attente.