Immanence — Paris

Parce que la carte est plus importante que le territoire

Cannelle Tanc — 2021-05-19T12:42:51Z

du 18 novembre au 14 décembre 2011
Vernissage le 17 novembre
Curatrices : Valentine Meyer & Véronique Ribordy
Artistes : Michael Günzberger, Mingjun Luo, Sophie Bouvier Auslander, Gaëlle Chotard, Jérémy Liron, Cannelle Tanc

- 2011

Art Vidéo / Propriété Intellectuelle

Cannelle Tanc — 2019-07-14T22:31:54Z

Du 17 Mars au 09 Avril

Immanence, Paris

Curateurs : Cannelle Tanc et Frédéric Vincent

Art Vidéo / Propriété Intellectuelle
Exposition du 17 Mars au 09 Avril 2011
Antoine Moreau, Joseph Paris, Pascal Leroux, Remy Marlot, Seth Siegelaub, Richard Negre, Lionel Péneau, Nikki Schuster, Youssef Tabti.
Commissaire : Frédéric Vincent
A l'heure du téléchargement légal ou illégal sur Internet et de la mondialisation, les artistes proposent et posent de nouvelles questions concernant la propriété intellectuelle de leurs propres œuvres.
Suite à un appel à participation via Internet, les vidéos des artistes choisis sont diffusées sans artifices ou mise en scène, sans enjeu esthétique ou scientifique mais avec un enjeu intellectuel primordial aujourd'hui.
Cette exposition, proche d'Internet de l'Open Source et de la culture Wikipédia, questionne la propriété intellectuelle. Il s'agit à partir de ce dispositif de conduire une réflexion sur la circulation des œuvres vidéos et d'inviter les publics à de nouveaux modes d'appropriation.
Dans cette expositions deux visions contradictoires se confrontent, la première à travers le “contrat pour la preservation des droits de l'artiste sur toute oeuvre d'art” de Set Siegelaub. Ce texte à été établi par le juriste New-Yorkais Bob Projansky après de longues discussions et correspondances avec Seth Siegelaub. Ce contrat est en allemand, anglais et français, il est présenté pour la 1ere fois depuis la documenta 5 à Kassel en 1972. Une approche jugée restrictive et contradictoire avec la notion d'échange.
La deuxième approche est celle du Copyleft et de la License d'Art Libre à travers un choix de textes de Antoine Moreau.

Sujet, verbe et compléments

Cannelle Tanc — 2019-07-14T22:09:17Z

du 30 sept. au 29 oct.
Vernissage le 29 sept.
New, Paris
Curateurs : Cannelle Tanc et Frédéric Vincent
Exposition personnelle d'Agnès Thurnauer.
Artistes invités :Art & Language
"Je suis le sujet. Je suis aussi le verbe lorsque je peins, mais je suis aussi l'objet. Je suis la phrase complète"
Barnett Newman

- 2011 / Thurnauer Agnès

Ça tient la route

Cannelle Tanc — 2019-07-14T21:55:48Z

du 09 au 24 sept.
Vernissage le 08 sept.

New, Paris

Curateur : Frédéric Vincent

Nous vous invitons à la découverte d'un jeune talent que nous suivons depuis 2007.
Stéphane Lecomte a participé au salon de Montrouge en 2010. Cette année il s'est fait remarqué lors d'une exposition en duo avec Frédéric Lecomte au Générateur à Gentilly. Aujourd'hui, il investit le nouvel espace d'Immanence, New Immanence.

Comme le souligne François Coadou, “Stéphane Lecomte poursuit, depuis plusieurs années, une oeuvre d'art totale nomade qu'il appelle « Terrain Idéal ». Au croisement de plusieurs médiums – performance, vidéo, installation, édition – celle-ci se caractérise surtout par une mise en question sans cesse renouvelée et déplacée des rapports de l'art et de la vie. Artiste de l'attitude, en ce sens, plus que de l'oeuvre, Stéphane Lecomte aime à se jouer des règles du « milieu », quand ce n'est pas, plus généralement, de règles du monde. Décalage d'où naît une utopie, fulgurante et fragile, qui prend corps, le plus souvent, avec la discrétion d'un art qui se veut résolument anti-spectaculaire.”

Anne-Lou Vicente ajoute :
« C'est sur le mode de la farce que se déploie l'œuvre de Stéphane Lecomte depuis quelques années. Mais n'y voyez pas là une quelconque intention de se moquer du monde. Quoique… Sur les traces de Robert Filliou, d'Allan Kaprow ou d'Arnaud Labelle-Rojoux, cet expérimentateur mène sa barque — qui s'avère prendre la forme d'une caravane — en Terrain idéal : territoire et terrain de jeux à géométrie variable où (vag)abondent collages et bricolages en tout genre. Un joyeux bric-à-brac qui témoigne d'une démarche allant à l'encontre de la réification de l'œuvre, de sa fétichisation et de sa mise en spectacle, et avec de la sacralisation de l'art et de son géniteur. S'il s'agit tout de même de faire sens — plus que sensation -, Stéphane Lecomte n'a pas pour vocation de se prendre trop au sérieux, refusant de porter le chapeau de l'Artiste. Bien trop affairé à profiter de la liberté massive qu'il s'octroie et à s'amuser avec bienveillance et modestie, mais non sans une pointe d'ironie, des déraillements et autres sorties de route qu'offre, à la pelle, la vie. »

Exposition inaugurale NEW

Cannelle Tanc — 2019-07-14T21:43:22Z

Du 14 mai au 14 juin
Vernissage le 14 mai
New, Paris
Curateurs : Cannelle Tanc et Frédéric Vincent
Immanence a le plaisir de vous inviter à l'inauguration de son nouvel espace d'exposition, appelé NEW. Cette première exposition est une double exposition des membres fondateurs d'Immanence : Cannelle Tanc et Frédéric Vincent.

- 2011 / Tanc Cannelle, Vincent Frédéric

PEINTURE

Cannelle Tanc — 2019-07-14T21:26:51Z

Du 17 nov. au 4 déc.
vernissage le 17 nov.

New, Paris

Curateurs : Cannelle Tanc et Frédéric Vincent

samedi 19 novembre à 13h30 Hospitalité

L'OBJET EST TOUT ENTIER ABSTRAIT

Le travail de Laurent Mazuy traite de la couleur. Et pourtant est-ce là vraiment ce qui origine son tableau ?

L'artiste procède ainsi, tout d'abord un dessin spontané au crayon sur la toile. Une suite de lignes courbes qui divise la surface. Puis, il choisit et découpe certaines formes dans des papiers de couleurs de toutes natures qu'il colle à la toile avec de la peinture en pleine patte et généreusement versée. La couleur liquide, à l'eau ou à l'huile, déborde souvent les contours et les limites de ce pourquoi elle est utilisée, livrant à la marge du papier les possibles d'un dessin aux surfaces libres.
A la réalisation, définies et organisées, suit ce jeu incertain. La manipulation, crée et entremêle les plans. La surface éclatée devient espace, espace fragmenté que le cheminement du regard énumère et recompose : les grappes et les guirlandes de couleurs s'articulent dans la succession d'une suite de faits et de possibles incongrus. L'oeil coud et découd, c'est mat, satiné ou brillant, lisse ou rugueux, mou ou dur. La découpe est franche ou incertaine, c'est dessus, c'est dessous et tout autour. Primaire, secondaire ou intermédiaire, chaude ou froide, c'est fin ou épais, transparent ou opaque. La couleur est toujours aux prises avec la volonté de réfléchir une grammaire des surfaces.

Plusieurs idées sont ainsi serties, celle du nombre, celle de l'abouti et du narratif. Pourquoi ce trait, ce simple trait gravé dans la surface de ce qui nous est proposée. Attendre le paresseux moment qui prend forme dans le pli du tableau au creux de la peinture dans l'organique de la chose. La couleur est pour l'artiste un outil de mesure, une unité de construction qu'il utilise tour à tour et simultanément avec l'idée au combien pernicieuse et paradoxale de l'ornementation.
L'artiste illustre un instant généreux : être dans le désir de l'autre par l'intermédiaire d'un fait pictural qui se veut sans directions et sans directives. Créer un moment, un fragment de ce temps, une durée qui puisse ouvrir une succession de glissements et de passages. Fondre le sourire et la grimace en un visage d'avant la parole.

La peinture de Laurent Mazuy est discontinue. Le parcours où s'égrène le tableau n'est pas linéaire. L'artiste ne progresse pas, il conjugue et reprend les formes et les gestes qu'engendre sa recherche. Il tourne autour de la question de la peinture en construisant une géométrie complexe dans laquelle à l'occasion de l'exposition, il entoure le visiteur.

Concert de GRAN HORNO

Cannelle Tanc — 2019-07-12T21:07:24Z

Le 6 mai
à 20h.
Immanence, Paris
Concert lors du vernissage de l'exposition jardins d'amis II de GRAN HORNO (Catherine Lorent).

- 2011 / Lorent Catherine

Jardins d'Amis II

Cannelle Tanc — 2019-07-12T20:56:12Z

Du 7 au 21 mai
Vernissage le 6 mai

Immanence, Paris

Curatrice : Caroline Bittermann

Jardins d'Amis II

Second volet de l'exposition Jardins d'Amis à la galerie Immanence, Paris, Mai 2011

Une proposition de Caroline Bittermann

Depuis 2006, Caroline Bittermann travaille sur une série de portraits de petit format, peints à la gouache. La série, qui compte désormais près de 150 gouaches, est intitulée « Jardins d'Amis ». Le thème fédérateur est l'amitié – fidèle à une vieille tradition romantique. Au début, la série rassemblait avant tout des portraits de proches et d'amis. Ensuite la série s'est progressivement élargie à tout le réseau social de l'artiste et à des personnages aussi bien historiques que contemporains qui se sont à leur manière préoccupés du thème de la nature ou qui ont influencé le travail de l'artiste par un autre biais. Cette série était à l'origine d'une première exposition, organisée en 2007 à la galerie Immanence. Caroline Bittermann, dans son rôle d'artiste-commissaire et médiatrice indépendante, y avait convoqué la commissaire Christine Heidemann et l'artiste Isa Melsheimer (vivant toutes les deux à Berlin) et leur avait proposé d'inviter chacune encore deux autres artistes.

Jardins d'Amis II est le second volet de Jardins d'Amis qui a eu lieu en 2007 à Immanence. Cette première exposition donnait à voir une réaction en chaîne d'invitations d'artistes et de commissaires d'expositions internationaux. Le titre de l'exposition se rapporte au thème de prédilection des peintures de Caroline Bittermann, le portrait d'ami qui s'articule au sujet du jardin et à l'histoire personnelle du modèle. Le second volet prend sa source dans l'étude approfondie de l'évolution historique des utopies écologiques et des nouvelles positions dans les sciences naturelles. A travers le choix des œuvres, cette seconde exposition permettra de mener une réflexion politique sur les enjeux écologiques actuels. L'exposition instaure à nouveau une chaîne d'invitations autour des thèmes de la nature et des liens qui se tissent entre les artistes. Caroline Bittermann a invité les artistes Beate Gütschow (Berlin), Vier5 - Marco Fiedler et Achim Reichert (Paris) et Catherine Lorent (Berlin) à participer à cette deuxième édition et a demandé à la spécialiste en histoire de l'art Daniela Goeller de participer à l'exposition en rédigeant et en présentant à son tour trois positions artistiques :celles d'Ulrike Flaig (Berlin), de Jürgen Nefzger (Nice/Paris) et d'Art orienté objet - Marion Laval-Jeantet et Benoît Mangin (Paris).

A travers le choix des œuvres présentées par Caroline Bittermann et Daniela Goeller, cette exposition permettra de porter un regard plus analytique sur les enjeux écologiques actuels et se distinguera du caractère plus poétique de la première édition.

La relation entre nature et culture est au centre de toutes les réflexions. Il s'agît aussi de considérer et de retracer l'évolution historique de cette relation et la manière dont elle a été perçue. Outre la présentation de la thématique de la nature (importance de la nature pour l'Homme, aménagement de jardins, peinture et photographie de paysage, menace et protection de la nature, inventions écologiques) se pose la question des moyens de sa représentation en explorant les différentes sortes d'images (picturales, photographiques, filmées, virtuelles et mentales) leur fonction comme exemple, mémoire, utopie et leur capacité de rendre visible d'autres mondes.

La première exposition présentait des positions artistiques qui montraient une vision plutôt poétique de la problématique et qui jouaient avec l'idée de l'utopie. La deuxième exposition met en avant des stratégies, qu'elles soient artistiques, scientifiques, analytiques ou plus concrètement politiques. Ce nouvel angle se traduit aussi dans l'utilisation de nouvelles technologies et de l'utilisation du texte comme élément visuel.

Le travail des graphistes et couturiers Vier5 se situe à la frontière entre art plastique et arts appliqués et crée des points de rencontre fructueux. Le magazine de mode « Fairytale », édité deux fois par an, constitue une telle charnière. Les graphites et couturiers de Vier5 créent une typographie spécifique pour chaque édition, développent une collection de vêtements et un stylisme propre, réalisent des sessions de photos et intègrent quelques reportages et articles qui surprennent, en suivant un choix très subjectif. Avec ce magazine thématique, ils transgressent délibérément les frontières entre les genres. Pour l'exposition, ils présenteront une installation autour de l'édition « Nature », publiée en 2009.

L'historienne de l'art Daniela Goeller utilise le texte sous différentes formes et cherche à explorer différentes voies pour créer des rapports entre les œuvres, à la fois au niveau de l'écriture et au niveau visuel. Le texte n'est ni purement poétique et littéraire, ni purement descriptif et critique, mais s'inscrit comme une participation vivante dans le cadre de l'exposition.
Le travail d'Art orienté objet (Marion Laval-Jeantet et Benoît Mangin) comprend des aspects conceptuels, critiques et esthétiques et intègre des expériences issues de domaines hors du champ de l'art, tels l'ethnologie et l'écologie. Leur contribution à l'exposition est constituée par la position la plus clairement engagée et politique. Ils nous confrontent à la relation tendue que nous entretenons avec la nature et aux conséquences existentielles qui résultent de cette tension. Ils ont entrepris une expédition dans les régions polaires et ils y ont cherchés l'empreinte d'un ours polaire. L'expédition est documentée par des photos et une vidéo qui décompte le taux de CO2 consommé pour l'action. L'empreinte elle même a fondue entre-temps, pour des raisons inconnues en lien avec une erreur de conservation qui s'est produite pendant la dernière exposition de l'œuvre. Le travail est montré ici pour témoigner de cette disparition.

Les images de Jürgen Nefzger témoignent également d'une vision engagée, nuancée et résolument contemporaine de la nature, ou plus précisément du paysage. Le diptyque de l'exposition fait partie de la série « Hexagone » qui résume des années de travail sur les paysages en France. Jürgen Nefzger montre comment la conscience du danger qui menace l'équilibre écologique et qui est devenu une menace planétaire, rentre en conflit avec la recherche individuelle de spiritualité et une certaine vision du paysage comme espace de projection dérivée du romantisme.

La peinture classique de paysage est toujours présente dans ces images, mais elle l'est de manière encore plus explicite dans le travail de Beate Gütschow sélectionné pour l'exposition. En utilisant de nouvelles technologies, elle donne une interprétation moderne de deux peintures de paysage de Jakob van Ruysdael. Elle a transposé les peintures à l'huile en images digitales et les montre sous forme de deux vidéos dans un diptyque sur deux écrans. Dans le regard froid de la caméra se décompose l'atmosphère mélancolique des images. Les critères formels et sémantiques ressortent et dévoilent leur influence sur la perception contemporaine du paysage.

Le travail de Catherine Lorent évoque également des références historiques, même si elle s'éloigne, dans ses performances musicales, de la notion d'œuvre classique. Elle s'inspire avant tout de l'époque baroque qu'elle interprète assez librement dans ses images de paysages. Elle réalisera une performance musicale le soir du vernissage dont ne restera dans l'exposition que le prospect de scène crée pour l'événement.

Le rapport à la nature est moins visible dans l'œuvre d'Ulrike Flaig, qui réalise une installation in situ pour l'exposition en se servant d'objets trouvés dans l'espace et d'un film réfléchissant. Ce travail présente des aspects architecturaux et ne fait pas directement allusion à la nature. Néanmoins l'effet miroir du film rappelle les cabinets à miroirs du rococo qui servaient aussi à multiplier les projections d'éléments de nature et à créer des prospects paysagers en brouillant les frontières entre l'intérieur et l'extérieur. Ce travail réunit idée, image et expérience de l'espace et en cela se rapproche du concept de paysage. Il montre comment le monde est filtré, formé et recrée à travers notre perception.

La seule artiste présente dans les deux expositions est Caroline Bittermann. Dans la première exposition elle montrait les portraits des artistes participants et quelques autres personnes de son entourage personnel par une peinture murale montrant son propre profil. Dans la deuxième exposition elle montre une nouvelle installation avec les portraits de personnes aussi bien historiques que contemporaines avec lesquelles elle établit des affinités électives. Ce sont ces portraits de lieux idéaux et de mondes imaginaires qui lient les deux expositions autour d'une vision contemporaine de la nature, à la fois poétique et politique.

Les positions artistiques présentés lors des deux éditions de l'exposition se rejoignent et montrent comment le thème de la nature et la relation que nous entretenons avec elle s'articule à travers des idées, des images et des stratégies artistiques. elles nous montrent l'importance d'adapter notre comportement à nos connaissances. Cette deuxième exposition veut donner des impulsions pour provoquer plus de réactivité dans ce débat qui devient de plus en plus un débat existentiel dont notre avenir est l'enjeu.

Le Jour Suivant

Cannelle Tanc — 2019-07-12T20:33:54Z

Du 10 au 29 juin
Vernissage le 9 juin

New, Paris

Curateur : Frédéric Vincent

« Toute ressemblance avec des faits réels n'est que pure coïncidence »

« Lorsque l'ennemi est uni, divisez-le »
Suntzu, L'art de la guerre

Dans son essai Politics of Installation1, le philosophe Boris Groys, rappelle qu'il n'y a plus de différence « ontologique » entre le « faire » de l'art et son « exposition ». Depuis le geste duchampien de déplacement d'un objet du réel dans l'espace d'exposition, l'art contemporain réside, en effet, moins dans l'acte de création de formes qu'en son installation dans un contexte spécifique de l'art qui le produirait comme tel. La pratique de John Cornu relève en partie de cet héritage, à la différence près qu'il interprète autant des formes extérieures à l'art qu'il n'en révèle sa potentielle présence par une sensible modification du site. Cette transformation de l'architecture aux limites du visible, qui occupe une grande partie de son travail, perturbe de manière temporaire la réalité du lieu sans pour autant s'y imposer. Si sa pratique s'inscrit bien dans un art qui se veut contextuel, minimaliste et conceptuel, il n'en évacue pas pour autant tout discours critique, dans un paradoxal jeu antagoniste entre neutralité et expressivité, minimalisme et narration, art conceptuel et romantisme. Cette collusion de référents, historiquement opposés par une histoire de l'art linéaire faite de ruptures successives, rejoint la conception Postmoderne de déconstruction du récit en une pluralité de discours (y compris dissonants) et la reconstruction du passé dans l'ici et maintenant du présent. La fin des métarécits annoncée par Lyotard2 trouve ici une forme singulière dans un jeu de juxtapositions de références propres à l'histoire de l'art comme à l'Histoire générale qui évacue toute lecture exclusive ou univoque et pointe les paradoxes sans prendre de position tranchée.
[…]
« Toute ressemblance avec des faits réels n'est que pure coïncidence », cette mention, qu'un principe de précaution incite les éditeurs à porter sur des ouvrages de fictions largement inspirées de la réalité, trouve dans le travail de John Cornu, une singulière résonance. Selon un principe d'échos à réverbérations multiples, ses oeuvres invitent à voir au-delà des apparences, dans un jeu stimulant de simulations et de simulacres pour reprendre les termes de Baudrillard3. Manipulant des signes, des codes et des images, il construit une oeuvre d'une radicale simplicité dans la forme et d'une incroyable complexité dans le fond, laissant ouvert le champ sans limites de l'interprétation.

© Christian Alandete, février 2011.
Extrait de « Toute ressemblance avec des faits réels n'est que pure coïncidence », in John Cornu, Catalogue monographique, à paraître aux Editions Analogues avec le soutien des Amis du Palais de Tokyo.

Né en 1976, John Cornu vit à Paris. Son travail a été présenté au sein d'expositions personnelles et collectives : au Palais de Tokyo, à la maison rouge - Fondation Antoine de Galbert, au Point éphémère (Paris), Cneai (Chatou), à la BF15 (Lyon), au CIAC (Pont-Aven), à l'ENSAM (Metz), à Schaufenster (Sélestat), à la Störk Galerie (Rouen), à la villa Savoye (Poissy), au Palais des Bénédictines (Fécamp), au New laboratoria (Moscou), à la Chambre blanche à Québec (Canada) ; ainsi que dans le cadre de nuit blanche 2007 sur le musée Picasso à Paris, de la Biennale d'art contemporain de Lyon en 2009 et de la nuit blanche de Metz en 2010.
John Cornu est lauréat du prix découverte 2010 des Amis du Palais de Tokyo.

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1 Boris Groys, Going Public, Sternberg Press / e-flux journal, nov. 2010
2 Jean-François Lyotard, La Condition postmoderne : rapport sur le savoir, Minuit, 1979
3 Jean Baudrillard, Simulacres et simulations, 1981

“Any resemblance to reality is purely coincidental”

“ When the enemy is united, divide it.”
Sun Tzu, The Art of War

In his essay Politics of Installation1, the philosopher Boris Groys points out that there is no longer any ‘ontological' difference between ‘making' art and ‘exhibiting' it. Ever since the Duchampian gesture of transferring an object from real life to an exhibition space, contemporary art, in essence, resides less in the act of creating forms than in being installed in a specific art context that will make it thus. John Cornu's technique stems in part from this legacy, with the slight difference that as much as he interprets forms external to art he also reveals its potential presence through a discernible modification of the setting. This transformation of architecture at the fringes of the visible, which applies to a large proportion of his work, temporarily disturbs the reality of the setting, yet without imposing itself. Indeed, if his method belongs to an art that sees itself as contextual, minimalist and conceptual, he does not, for all that, remove all critical discourse from it, in a paradoxical game of antagonism between neutrality and expressivity, minimalism and narration, conceptual art and romanticism. This complicity of referents, historically opposed by a linear history of art made of successive leaps, links to the Postmodernist conception of the deconstruction of the narrative into a plurality of themes (including dissonant ones) and the reconstruction of the past in the here and now of the present. The end of metanarratives announced by Lyotard2 here finds a unique form in a game of juxtapositions of references specific to art history and to general history that removes any exclusive or unequivocal interpretation and highlights the paradoxes without taking sides.
[…]
“Any resemblance to reality is purely coincidental” : this statement, which is printed by publishers as a precautionary measure on works of fiction inspired largely by real events, has a particular resonance in John Cornu's work. Starting from a principle of echoes with multiple reverberations, his works invite us to look beyond appearances in a stimulating game of simulations and illusions, to borrow an expression from Baudrillard 9. Manipulating signs, codes and images, he creates works of radical simplicity of form, and underneath that, of incredible complexity, leaving them open to potentially limitless interpretation.
© Christian Alandete, February 2011.
Fragments from “Any resemblance to reality is purely coincidental”, in John Cornu, Upcoming Monograph by the Analogues edition with the support of Les Amis du Palais de Tokyo.

Born in 1976, John Cornu lives in Paris. His work has been featured in both solo and group exhibitions : at the Palais de Tokyo, the Maison Rouge - Fondation Antoine de Galbert, the Point Éphémère in Paris, the BF15 in Lyon, the Cneai in Chatou, the CIAC in Pont-Aven, the ENSAM in Metz, Schaufenster in Sélestat, the Stork Gallery in Rouen, the Villa Savoye in Poissy, the Palais Benedictine in Fecamp, the New Laboratoria in Moscow, the White House in Quebec (Canada), during Nuit Blanche 2007 at the Picasso museum in Paris, at the Biennale of Contemporary Art in Lyon in 2009 and during the last Nuit Blanche of Metz. John Cornu is the award Winner of the Prix découverte 2010 des Amis du Palais de Tokyo.

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1 Boris Groys, Going Public, Sternberg Press / e-flux journal, Nov. 2010
2 Jean-François Lyotard, The Postmodern Condition : A Report on Knowledge, University of Manchester Press, 1984 (first published in French 1979)
3 Jean Baudrillard, Simulacra and Simulations, 1985

VALORES // De Valparaiso à Paris

Cannelle Tanc — 2019-07-12T20:25:22Z

Jeudi 15 sept.
à 19h30

Immanence, Paris

Curateurs : Cannelle Tanc et Frédéric Vincent

Second volet d'une installation vidéo réalisée et exposée au Chili en 2010, et plus précisément au sein même de la Bourse de Valparaiso, ce lieu emblématique de la finance. Ce travail s'inscrit dans le contexte chilien politique et sismique particulier de 2009/2010. Le geste, l'acte autour duquel il s'articule est le vol.

L'intitulé du projet initial « VALORES », soit « valeurs », est à la fois un pied de nez adressé à la Bourse, mais aussi un vrai questionnement concernant ce que sont nos valeurs.

L'univers théâtral de ce projet a été pensé comme un outil révélateur du contexte actuel, de notre époque dinquiétante étrangeté aux circulations complexes de réseaux financiers. Je mets en scène une dramaturgie de la manipulation, en abordant la question de l'invention et de la mise en place de commerces divers.

Pour la traduction de ce second volet, pas de sous titres. Face aux spectateurs, derrière un pupitre, un homme, c'est le Bonimenteur. Tel un traducteur il a un casque sur les oreilles. Le Bonimenteur permet une lecture des images filmées au Chili. A l'écran les personnages racontent, ils racontent le Chili, il nous racontent. Tous sont liés par un geste, un acte qu'ils ont commis, subit, ou renversé : celui du vol. Le Bonimenteur ne fait pas que traduire. Sporadiquement il commente, recontextualise, met en dialogue. Il devient un lieu où se contaminent deux espaces-temps, celui du film (Chili) et celui de la représentation (France).

Auteur / Réalisatrice : Clio Simon
Mixage son : Florian Namias
Contribution à la scénographie / Pupitre : Eden Morfaux
Acteur-Bonimenteur : Quentin Maussang
Voix du casque : Clio Simon
Productions : C.R.A.C. de Valparaiso (Chili) - La Résonance de la Toupie (Frce) & Clio SIMON
Partenaires : Immanence / Jeune Création 2011 / UNTITLED / Mairie de Paris / Espace d'Art Contemporain les Roches
Aides : Paris Jeunes Talents.